Пабло Пикассо

Пабло Пикассо

Всё, что ты можешь вообразить — реально

Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (испанское Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso) — французский живописец, художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. По происхождению испанец. Знак зодиака —Скорпион.

Начал рисовать задолго до того, как стал говорить, однако в 10 лет не знал цифр и простейших арифметических действий. Основы чтения, правописания и сложения давались ему с огромным трудом. Зато экзамен в старший класс Школы изящных искусств в Барселоне, на который у других уходил месяц, 14-летний Пабло сдал за один день.

Первая выставка работ Пикассо состоялась в 1897 году, когда ему было 16 лет. А всего через 4 года выставленные в Париже работы «голубого» периода сделали его всемирно известным художником. В 1900-х годах («голубой» и «розовый» периоды) создал обостренно-выразительные произведения, посвященные обездоленным людям («Девочка на шаре», 1905). С 1907 основоположник кубизма, с середины 1910-х годов создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ близок сюрреализму. Произведения Пикассо иногда полны боли и протеста, имеют большое общественное значение («Герника», 1937), глубокое гуманистическое содержание (рисунок «Голубь мира», 1947). Много работал как график, скульптор, керамист. Международная Ленинская премия (1962). Международная премия Мира (1950).

Годы учения

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге. Будущий великий художник учился у своего отца — Х. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье, Барселоне и в Мадридской академии «Сан Фернандо», увлекаясь французским искусством, знакомым по репродукциям. Испытал воздействие анархизма.

В 1900 году Пикассо впервые приехал в Париж, с 1904 жил там постоянно. Выставлялся на выставках с 1901 у «тетушки Вейль» и у А. Воллара. В это время он стал уходить от влияния стиля модерн, которое еще долго сохралось в манере подчеркивать силуэты фигур, а также в колористической монохромии. Своими «учителями» Пикассо избрал Ван Гога, Поля Гогена, Поля Сезанна, Анри де Тулуз-Лотрека. Он начал писать яркими пастозными мазками в манере протофовизма.

«Голубой» и «розовый» периоды Пикассо

Пабло Пикассо «Девочка на шаре»
«Девочка на шаре». 1905 год. Музей изобразительных искусств имени Пушкина

На годы поездок между Парижем и Барселоной (1901-04) приходится так называемый «голубой период» художника: в палитре мастера преобладают голубые оттенки. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали (П. Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902, обе в Эрмитаже; «Старый нищий старик с мальчиком», 1903, Музей изобразительных искусств, Москва).

В следующий период, получивший название «розового», появляются сцены дружбы, любования красотой обнаженного тела. Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

Кубизм

Пабло Пикассо - «Авиньонские девушки», 1907
«Авиньонские девушки». 1907 г.

В 1907 года Пабло Пикассо создал композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.

Пабло Пикассо,  «Портрет Амброаза Воллара», 1915
«Портрет Амброаза Воллара». 1915 г.

Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века. В 1908-1909 годах Пикассо совместно с французским живописцем Жоржем Браком, влияя друг на друга, разработали новый стиль — кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Использовались нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинировались в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет Амброаза Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-1910, Эрмитаж). (Амброаз Воллар — французский коллекционер и меценат, один из тех, кто не только открыл, но и популяризировал творчество Сезанна, Ван Гога и других художников. В 1901 году в галерее Воллара в Париже состоялась первая выставка произведений Пикассо).

Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 года она постепенно перерождалась, и в 1913 году появилась «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использовал коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивался (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Неоклассицизм

Уже в картине «Художник и его модель» (1914) и в ряде рисунков проявился интерес Пабло Пикассо к точным контурам и пластике форм. Через три-четыре года неоклассицистические и реалистические тенденции стали явными для всех. Многих это смущало: новатор, соблазнивший стольких художников, вернулся к традициям. В прессе появились критические заметки о «художнике-хамелеоне».

В 1917 году Пикассо сделал декорации для балета «Парад» Эрика Сати (текст Ж. Кокто) в «помпейском стиле».

Женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение[en] сына Поля сопровождались возвращением к миру ясных, понятных, чуждых драматической экспрессии форм. Поездка в Италию также усилило интерес к классике. Некоторые рисунки мастер сделал по фотографиям. Он отошел от гротескной манеры 1900-х годов, по-иному «активизировал» форму, словно соревнуясь со своим кумиром тех лет — Энгром (этот период нередко называют «энгровским»).

Сюрреализм Пикассо

При этом в творчестве мастера сохранилась тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 1920-х годов он испытывал влияние сюрреализма и написал несколько полотен с изображением женщин на пляже, в трактовке форм которых соединил геометрическую манеру кубизма с подчеркнуто витальными элементами. Он продолжал активно заниматься скульптурой, сочетая впечатления от африканской скульптуры с приемами кубизма и сюрреализма.

Метаморфозы. Пабло Пикассо.
Иллюстрация к поэме Овидия«Метаморфозы»

В 1930 году художник сделал серию из 30 офортов к «Метаморфозам» Овидия. В 1930-1937 создал «Сюиту Воллара»; в числе ста офортов, продолжающих традиции Рембрандта и Гойи, — сцены с человекобыком, где легендарный обитатель лабиринта Минотавр превращается в «миф Пикассо», ибо художник весьма произвольно трактует древнее сказание.

Иллюстрация к поэме Овидия «Метаморфозы», 1930 — эти иллюстрации, напоминающие изображения на античных вазах, не только иллюстрируют отдельные эпизоды поэмы, но и передают ее ясный образный строй.

Война в Испании. «Герника»

Пабло Пикассо, «Плачущая женщина»
«Плачущая женщина». Рисунок выполнен 6 июля 1937 года, уже после создания Герники — одного из основных произведений Пикассо, но на основе более ранних эскизов к ней.

В 1937 году симпатии Пикассо были на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 немецкая и итальянская авиация разбомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создал свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

Послевоенный период художника

Пабло Пикассо, «Голубь мира», 1950
«Голубь мира». 1950. С изображения голубей Пикассо начинал свои первые шаги в искусстве — он дорисовывал им лапки на картинах своего отца, художника Хосе Руиса.

В 1944 году Пикассо стал членом Французской компартии; в первом послевоенном Салоне освобождения для его произведений отвели целый зал. В 1950 он нарисовал знаменитого «Голубя мира», в 1951 написал картину «Война в Корее» (собрание семьи художника).

В 1947 году Пикассо приехал в городок Валлорис — традиционный центр керамики на юге Франции. Он изготавливал здесь блюда и сосуды самых разнообразных форм, способствуя возрождению традиционного ремесла. Перед старинным романским собором на торговой площади установили статую его работы «Человек с ягненком» (1942-44); в крипте храма поместили живописные панно «Война» и «Мир» (1952). В 1956-1957 Пикассо исполнил панно для здания ЮНЕСКО в Париже. Создал ряд произведений для Музея Гримальди в Антибе, который вскоре получил название «музей Пикассо».

В 1960-е годы Пикассо написал своеобразные вариации на темы прославленных картин знаменитых мастеров прошлого («Менины» Веласкеса, «Расстрел повстанцев» Гойи, «Завтрак на траве» Мане и др.). Трактуя их в гротескно-кубистическом стиле, художник дал волю своей неуемной фантазии, убирая фигуры или добавляя вымышленные. Написанные небрежно холсты «позднего Пикассо» представляют любимые им сцены: художник и модель, образы античной мифологии, натюрморты, цирковые мотивы и мотивы боя быков; часто он обращался к женскому портрету.

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став самым известным мастером в искусстве 20 века. Про себя он говорил: «Я не мог бы жить, не отдавая искусству все свое время. Я люблю его, как единственную цель своей жизни. Все, что я делаю в связи с искусством, доставляет мне величайшую радость».

13 марта 1961 года 79-летний Пикассо женился на 37-летней модели Жаклин Рок.

Пабло Пикассо скончался 8 апреля 1973 года в Мужене, Приморские Альпы. (В. С. Турчин)

11 мая 2015 года на аукционе Christie’s была продана самая дорогая картина. За 179 миллионов и 365 тысяч долларов с молотка в Нью-Йорке ушло полотно Пабло Пикассо 1955 года «Алжирские женщины».

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.